In Zeiten, wo nationalistisches Gedankengut zunimmt, ist Vernetzung – auch über Grenzen hinweg – wichtig. Sie muss aber auch gelebt und mit Leben gefüllt werden. Das Verbindende muss im Vordergrund stehen. Die Kunst ist da ein fruchtbares Umfeld, auf dem diese verbindende Kultur wachsen kann.
Pluralismus ist die Grundhaltung unserer Arbeit im Verein Kunst in Licher Scheunen und hat uns ermutigt, die Kontakte zu Künstlern aus Dieulefit zu knüpfen.
Auch wenn die weite Anreise aufwändig ist und Zeit und Geld kosten, sind es sinnvolle Investition im Rahmen von Völkerverständigung und der Belebung des partnerstädtischen Austauschs. Der Austausch besteht übrigens schon seit 50 Jahren.
Dieulefit und die ganze Region sind traditionell mit der Keramik verbunden. Es entstehen in den Werkstätten nicht nur Gebrauchsgegenstände, sondern auch Keramikobjekte. Es gibt im Ort eine Schule für Keramik und ein Museum mit Ausstellungen innovativer Keramikkunst.
Auch die Kunsthochschule in Valence ist nicht weit und strahlt befruchtend in den Kunstbetrieb der Region.
Wir haben im Letzten Jahr mit einer Delegation Dieulefit und einige Ateliers besucht und konnten 10 Künstlerinnen und Künstler aus der Partnerstadt Dieulefit gewinnen, ihre Keramikobjekte, Skulpturen, Fotografien und Bilder bei uns auszustellen. Vier der Künstler werden dazu in Vertretung zu Kunst in Licher Scheunen nach Lich kommen und im Sitzungssaal des Rathauses die Kunstwerke präsentieren. Organisiert sind sie in dem Verband L`association des céramistes du pays de Dieulefit – Bourdeaux und L`assocation profusion.
Die Band „Klangnomaden“ wird zur Begrüßung der Künstler und Besucher am Samstag, den 7.9. um 11:00 Uhr internationale Folksongs spielen.
Die Besucher sind eingeladen, ein Stückchen französische Lebensart zu erleben.
Meine Arbeit als Keramikerin ist eine unablässige Suche nach Ausgewogenheit und Harmonie in Formen und Farben. Meine Inspirationsquellen sind die Natur (derzeit die Wasserwelt mit ihren Muscheln und Fischen) und die Überreste antiker Zivilisationen: symbolische Formen, Fragmente von Skulpturen, Schriften. Ich vertiefe mich in das, was ich beobachte, und im Laufe des Prozesses und der spannenden Arbeit des Drehens, Modellierens und Polierens entstehen die Stücke. Meine Inspiration nährt sich auch von der orientalischen Kalligraphie, die in meinen Stücken einen originellen Eindruck hinterlässt. Orientalische Länder haben mich schon lange angezogen und durch die Begegnung mit japanischen Keramikern habe ich die japanische Kultur wirklich entdeckt. Anschließend absolvierte ich eine Ausbildung in fernöstlicher Kalligraphie bei Inès Igelnick und vertiefte während meiner Aufenthalte in Japan meine Forschungen. Für die Kalligraphien, die ich graviere oder mit farbigen Schlickern auf Schamotte-Tonplatten auftrage, lasse ich mich von Haikus (vier Jahreszeiten) und Zen-Ausdrücken inspirieren. Ich spiele gerne mit Feuer, das Raku-Brennen gibt mir die Möglichkeit, durch Räuchern und Risse Farbverläufe zu erzielen, die die Formen hervorheben. Die Raku-Kochtechnik blühte in Japan seit dem 16. Jahrhundert auf und ist eng mit der Zen-Philosophie und der Teezeremonie verbunden. Im Einklang mit dem Geist der Zeremonie sind die Keramiken schlicht und von natürlicher Schönheit, ohne Raffinesse, das Ergebnis ist immer einzigartig. Das Brennen von Raku geht schnell, es zelebriert das Zufällige, das Einzigartige und den Augenblick und erfordert gleichzeitig einen strengen und präzisen Prozess. präzisen Prozess.
Meine Welt lässt sich in zwei Worten zusammenfassen: Porzellan und Drehen. Um eine ausgefallene Form zu schaffen, verleihe ich meinen Stücken oft eine besondere Energie, indem ich sie verforme, der Abdruck meiner Finger im Porzellan bietet wunderschöne taktile Begegnungen. Seladon, weich und rein und der Schaffensprozess sind die kostbare Kleidung meiner Stücke. Sanftheit, Sensibilität und ein Hauch von Originalität.
Nach einer Ausbildung bei einem traditionellen indischen Töpfer und in verschiedenen Töpferwerkstätten, Ausbildung 2010 im Maison de la Céramique de Dieulefit. Die Keramik von Jacinthe vereint Funktionalität und Ästhetik: kleine Serien von Gebrauchsgeschirr mit interessanten Glasuren überzogen und im dritten Brand mit Gold verziert, Dekorationsstücke wie Hocker, Wandkeramiken, grosse Vasen, welche durch die Ausbildung bei einem traditionellen Töpfer in Indien beeinflusst sind. Sie absolvierte die Ausbildung „Keramikerin“ im Maison de la Céramique in Dieulefit 2010. Es ist ihr wichtig, den Adel der uralten Gesten des Töpfers, die Suche nach der Bedeutung der Objekte und die Liebe zu schönen Dingen, die über die Zeit Bestand haben, hervorzuheben.
Meine skulpturale Arbeit erinnert an die Formen alter Töpfe. Ich arbeite gerne mit dieser Formensprache. Töpfe und Gläser sind für mich universelle Häuser, die uns verbinden. Töpfe als Vorratsbehälter haben uns über lange Zeit das Überleben gesichert. Durch das Entfallen dieser Funktionalität bleibt dennoch die Form, auch wenn Traditionen sich auflösen. Durch kleine Batzen geformter Erde ist es möglichen, die Anmutung von durchströmender Luft und Licht zu vermitteln, ein Gefühl von Leichtigkeit, wie Atmen, den Atem der Zeit spüren zu lassen. Ich sammle zufällig verschiedene Tone an unterschiedlichen Orten, aus denen ich dann in einem langsamen Prozess nur die feinsten Partikel extrahiere. Sie werden auf meine Stücken aufgebracht wie eine zarte Haut. Erde auf Erde - in Wechselwirkung mit anderen Materialien. Beim Brennen offenbart diese empfindliche Haut all diese Farbnuancen. Die Stücke werden dann zu Trägern kleiner Welten, die zum Berühren und Nachdenken einladen. Das Brennen erfolgt im Niedertemperatur-Holzofen oder im Gasofen bei 1050°C bis 1280°.
Ich arbeite mit einer glänzenden Steinguttechnik, die auf traditionelle Weise hergestellt wird. Hierfür verwende ich einen bestimmten Ton und fertige Gebrauchskeramik.
Ich tauche in einen weißen Schlicker ein und dekoriere ihn dann mit Metalloxiden und Pigmenten dann wird bei 1000°C im Elektroofen gebrannt.
Meine Stücke werden mit einer transparenten alkalischen Glasur glasiert und ein zweites Mal im Elektroofen bei 1000°C gebrannt. Mit Backlack wird dann eine weitere Glasur aufgebracht, um die erste zu verstärken. Es ist eine Mischung auf Basis von Silbernitrat und Ocker, alles verdünnt in Essig, die über einem Holzfeuer bei 750°C bebrannt wird. Eine Art kleines Feuer bzw langsames Rauchen…
Manchmal sind einige Teile mit Ruß bedeckt und es ist notwendig sie zu waschen, sie zu reiben um das Ergebnis zu sehen. Jedes Stück ist ein Unikat und weist Reflexionen auf
Schillernd, golden, silbrig oder kupferfarben erscheinen diese Reflexe und verändern ihre Farbe abhängig vom Projektionswinkel des Lichts.
Die Fotografin lebt in der Nähe von Dieulefit, in La Roche Saint Sie reist seit etwa 10 Jahren an Orte in Ostsibirien, Jemen, Sudan, das Schwarze Meer, Komoren, Eritrea und fotografiert in einem besonderen, ihr eigenen Stil. Anna Puig Rosado fotografiert in einer industriellen Umgebung oder in einer städtischen Landschaft verlassene Orte des Lebens. Zugleich liegt ihrer Arbeit eine tiefe Menschlichkeit zugrunde und ihre Verwüstung. Auf dieser langsamen Suche gibt sie uns Farben einer besonderen Ästhetik der Verlassenheit, zeigt letzte Spuren der schwindenden Menschlichkeit. Anna Puig Rosado arbeitete für den Pariser Zeitschriftenverlag und zeigt Ausstellungen in Frankreich, Japan, Türkei, Tunesien, Jemen, Deutschland. Ihre Fotoserie begleitet sie mit Texten von Nicolas Joriot.
Sie lebt in Dieulefit, studierte in einer Schule für angewandte Kunst in Paris, arbeitete am Standort „104“.
Sie teilt ihr Leben zwischen Zeichnen und Brandmalerei und ihrer Arbeit als Moderatorin für bildende Kunst auf.
Seitdem hat sie in der Komturei Poetlaval und in der Craft-Galerie ausgestellt.
Er hat eine französisch-niederländische Staatsangehörigkeit, ist seit 2001 in der Region Drôme ansässig, wo er regelmäßig seine Aquarelle und abstrakten Ölgemälde ausstellt.
Er hat verschiedene Ausbildungen absolviert, insbesondere die Abendkurse an der Königlichen Akademie der Schönen Künste in Den Haag hat mehrere Werke zur Malerei geschrieben, die im Buchhandel erschienen sind.
Er sagt von sich selbst: „Mein Zugang zur Welt ist eher bildhaft als intellektuell. Der Blick und das, was ich beobachte, vergehen vor Ideen. Ich bin kein Fan von Konzeptkunst, obwohl ich sie manchmal zu schätzen weiß! Meine sowohl figurativen als auch abstrakten Arbeiten sind stark von meiner Beziehung zur Landschaft beeinflusst. Der Grund dafür ist vielleicht, dass ich in meiner Jugend ein Nomadenleben geführt habe, in dem ich ständig von einem Land in ein anderes zog. Ich nehme sehr unterschiedliche Umgebungen wahr und mache sie zu meinen eigenen. Diese aufeinanderfolgenden Landschaften sind tief in mir verwurzelt und beeinflussen mich weiterhin in hohem Maße – oft durch Kontrast – den Blick auf meine Umwelt.
In die Drôme zu ziehen war für mich eine Herausforderung und ein Segen. Die abwechslungsreichen Landschaften hier, mit hohen Gipfeln, die sich mit sanften Hügeln und Ebenen abwechseln umgeben von fernen Bergen. Sie erinnern mich mit ihren Blau-, Gelb- und Ockertöne in vielerlei Hinsicht an die Landschaften, die ich auf meinen Reisen um die Welt kennengelernt und geliebt habe. Meine Aquarelle, Landschaften der Drôme, male ich mit Herz und nach den Vorgaben des deutschen Malers Emile Nolde, der den Künstlern riet, zuerst zu malen und dann nachzudenken.
Textilkünstler mit Sitz im Süden von Drôme, in der Nähe von Dieulefit Bégude de Mazenc, Audrey Ducas wird in der Craft-Galerie ausgestellt seit 2024. Sie hat einen Master-Abschluss in Textildesign von Ensci in Paris. Sie hat anschließend mehr als 10 Jahre lang in New York City in der Welt der Luxusdekoration für Stoffverlage und Einrichtung gearbeitet. Überall auf der Welt, besuchte sie Weber und hatte die Chance, mit den schönsten Stoffen der Welt zu arbeiten. Sie fand Inspiration durch alte Kulturen, Traditionen und dem Know-how, denen sie in dieser Zeit begegnete.
Während ihrer Reisen begann Audrey ihre eigenen Stücke von Hand zu weben, intuitive Werke. Während sie ihrer klassischen Ausbildung einerseits weiterhin Ehre macht, hat sie
sich aber auch von den vorgaben des klassischen Webens befreit. Sie gibt den Schüssen Raum (die horizontalen Fäden), um zwischen Linearität und Umwegen zu spielen, mit der vertikalen Stabilität der Kette. Das entstehende Gewebe entwickelt sich nach und nach und zeigt Texturen und Kreuzungen von Fäden. Sie können zum Träumen einladen, zu fantasievollem Eintauchen und den Betrachter auf eine Reise zu Erinnerungen und Emotionen mitnehmen. Sie arbeitet weit entfernt von intellektuellen Konzepten, kreiert das Paradoxon von Loslassen und der Absicht, sich an das Wesentliche zu erinnern und aufmerksamer Präsenz.